trouvez ici les bons astuces pour la peinture à l'huile

lundi 2 juillet 2012

Peinture en couches: Début de la peinture flamande





Les artistes ont
utilisé peintures à l'huile depuis le huitième siècle, mais leurs dates d'utilisation généralisée de début du XVe siècle, quand les peintres flamands tels que van Eyck et Broederlam construites œuvres exquises en couches successives de peinture, émaux souvent que plus de couches minces de peinture à l'huile opaque. Huile sèche plus lentement et uniformément que la détrempe, permettant à l'artiste le temps de corriger ou d'étendre son travail. ITÉ: un exposé cohérent et intégré, avec tous les aspects travaillé en étroite collaboration


Les artistes ont utilisé peintures à l'huile depuis le huitième siècle, mais leurs dates d'utilisation généralisée de début du XVe siècle, quand les peintres flamands tels que van Eyck et Broederlam construites œuvres exquises en couches successives de peinture, émaux souvent que plus de couches minces de peinture à l'huile opaque. Huile sèche plus lentement et uniformément que la détrempe, permettant à l'artiste le temps de corriger ou d'étendre son travail. ITÉ: un exposé cohérent et intégré, avec tous les aspects travaillé en étroite collaboration po


Les premiers supports sont des panneaux de bois - peuplier, le chêne, tilleul, hêtre, châtaignier, cerisier, pin et sapin: tous préparés avec soin. Toile a été adopté par les Vénitiens, comme le bois ont tendance à se déformer, et la fresque à la moisissure, dans l'atmosphère humide des lagunes.

La couleur du corps était généralement appliquée dans une société libre, façon picturale, et précises, détaillées glacis ajoutés plus tard. Bien appliqué en couches minces pour permettre un bon séchage, la sous-couche accumulée opaque recouvre le sol. Le travail s'est déroulé en plusieurs étapes longues, souvent avec des couches étant tirés en arrière, et / ou la peinture antérieure étant huilée sur. Chaque image a généralement 6 à 12 mois.
Approches

Superposition est toujours la plus saine approche de la peinture à l'huile, que l'éventail des techniques et des matériaux est nécessairement plus large que ceux utilisés dans les peintures flamandes. La méthode est longue, et est mieux adapté aux miniatures, photo-réalisme, et la peinture qui nécessite un très haut degré de détail et de finition de surface.

Étapes:

Soit 1a. commencer par un dessin précis (artistes plus âgés probablement utilisé une camera obscura, pour laquelle les photos peuvent être substitué aujourd'hui)

Ou 1b. commencer comme une aquarelle avec des lignes au crayon et quelques lavages larges de peinture essence de térébenthine-amincie.

2. Sécher.

3. Lay en couleur du corps mince

4. Sécher.

5. Fixer en couleur second corps mince, à l'intérieur des contours de la première couche ou repeints.

6. Continuer à construire jusqu'à la sous-couche dans un long processus continu d'essai et d'erreur, en utilisant toute la gamme des techniques de peinture.

7. Séchez soigneusement.

8. Lay dans les glaçures, et de travailler humide en humide si nécessaire.

9. Sécher.

10. Lay en plus épais glacis, modifiant les émaux précédents le cas échéant.

11. Ajoutez de la couleur du corps de récupérer des surfaces vitrées trop.

Il est également possible d'alterner la couleur du corps et de l'émail plutôt que de laisser tous les vitrages à la fin. Les ombres peuvent être créés par les émaux, et l'image finale harmonisées.
Référence: Terminologie

Mouiller dans humide - humide en couleur, au-dessus ou à côté d'autres couleurs humide

Mouillez plus sèche - approche traditionnelle qui permet un contrôle systématique.

Peinture à l'achèvement ou dans les sections - un plus grand contrôle de l'apparence décousue, mais ce dernier est un danger.

Peinture en couches - en principe derrière technique traditionnelle.

Raffinage de fondation - ajoutant à la couleur de la carrosserie avec plus de subtilité de la couleur et le ton.

Finition avec des émaux - modifications finales de la fondation et des couches avec des émaux.

Épaisseur variable de la peinture - la modification de ton et la couleur par l'épaisseur de la peinture: commune, mais elle doit une grande habileté.

Coloration Morte - la première application de la technique en couche, soit construit par la suite dans d'autres couches ou en sous-couche.

Couche de fond - la peinture qui est conçu pour combiner avec la peinture plus tard (souvent mais pas nécessairement les glaçures) pour produire l'effet désiré.

Utilisation du sol - permettant le terrain pour montrer à travers partie de l'image finale.

La couleur du corps - le corps de peinture donnée: peinture dense: en général, peinture à base opaque en ajoutant du blanc.

Grisaille - sous-couche entièrement dans les tons de gris.

Frottis - couverture partielle de la peinture blanche appliquée alors ci-dessous est encore humide.

Frottie - film complet de peinture semi-transparente, soit avec un émail ou d'enduit mince.

Grattage de retour - peinture grattée pour révéler fantôme de la dernière application ou une partie de précédent.

Frotter - utiliser ses doigts pour se frotter à la peinture: une technique maîtrisée et utile.

Vitrage - couche de couleur transparente: lorsque posé sur la peinture ci-dessous est pratiquement à sec: n'importe quelle couleur peut être utilisé avec un milieu de vitrage mais les couleurs transparentes sont les meilleurs.

Impasto - date de la peinture épaisse fiers de surface environnante: utilisé pour des effets de texture et aussi avec des émaux.

Alliant - adoucir les bords de la peinture après avoir été appliqué, le plus souvent avec une brosse propre.

Teasing - la manipulation de la peinture après qu'elle a été fixée.

Eclosion - accidents vasculaires cérébraux ou d'accidents vasculaires cérébraux croisées dans la peinture fraîche qui se marient à distance.

Notation - gratter retour à la couche sous-jacente: souvent utilisé pour représenter des cheveux ou des plis de la peau.

Huiler sur. Quand la peinture ou une partie de la peinture sèche terne et opaque (à savoir les puits de peinture dans), il est sage, avant de peindre en continuant à frotter doucement dans un vernis à retoucher que pour juger correctement les couleurs.


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Motifs de lumière










Deux
méthodes bien distinctes entrent dans cette catégorie: l'approche préraphaélite où les actes fond blanc comme une base de réflexion pour bijou-comme les émaux, et l'approche directe peinture où la peinture est appliquée de manière à entièrement et opaque couvre le sol d'origine blanche.


Préraphaélites: Peinture sur fond blanc

Voici un effet de vitrail est réalisé en appliquant de nombreux glacis colorés sur un dessin. La couleur du corps est maintenue à un minimum, juste suffisante pour capturer les faits saillants, et de contrôler l'effet flottant de glacis.

étapes:

1. Transfert d'un précis, dessin au crayon délicat sur ​​le fond blanc.

2. Appliquer un guide à l'ombrage d'un vernis de couleur pâle.

3. Sécher.

4. Appliquer chevauchement glaçures colorées, travailler humide en humide si nécessaire.

5. Sécher.

6. Ombres retoucher.

7. Sécher.

8. Appliquer plus fort de couleur glacis, huilage sur la surface précédente si elle est trop sèche pour prendre nouveau vernis.

9. Sécher.

10. Ajoutez des détails dans les glaçures de finition, y compris le blanc dans les glaçures minces dans les zones où les faits saillants ont été perdus.
Peinture directe sur un fond blanc

Un style populaire depuis la fin du 19ème siècle où la peinture est appliquée opaque pour couvrir complètement le sol. Peinture couramment produit par étapes, permettant de séchage entre les étapes, mais peut être complété lors de la session celle donnée l'habileté droit et les circonstances. Le blanc est utilisé tout au long, plus minces lavis dans les étages inférieurs, mais vitrage est absent.

étapes:

1. Croquis au fusain. Brossez l'excédent de suite et le croquis trace dans la peinture térébenthine éclairci.

2. Bloquer dans de vastes domaines de la couleur avec essence de térébenthine-aminci, mais lavages opaques de couleur Rework ces mouillé dans la couleur avec du blanc humide ou plus si nécessaire. Sécher si nécessaire.

3. Peindre avec plus de subtilité et en détail dans un plus gros moyen. Etape précédente peut ou ne peut pas montrer à travers.

4. Ajoutez des détails au pinceau fin et doux.
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Vendre votre peinture










La scène commerciale

Pas tout le monde veut vendre leur travail, et certainement pas les premiers chefs-d'œuvre des », et peut-être pas même les peintures d'années plus tard qui ont été obtenus après tant de douleur et de l'effort. Ils pendent dans le studio de pierres de touche, une garantie de ce que le peintre peut ou pourrait faire. Néanmoins, les professionnels ont peu de choix en la matière, et les amateurs sérieux profiter de la reconnaissance et le revenu supplémentaire. Comment voyez-vous sur la sur la vente de vos peintures?


Le premier point à souligner est que l'art et le commerce ne sont pas bon ménage faciles. Artistes tendre tous tendon émotionnelle afin de s'assurer que chaque œuvre est le meilleur qu'ils peuvent réaliser, mais le commerce fonctionne très différemment. Il peut très bien être, comme George Bernard Shaw a fait remarquer, que le véritable artiste se laisse sa femme mourir de faim, ses enfants vont pieds nus, son souffre-douleur mère pour sa vie à soixante-dix, plus tôt que le travail à quelque chose, mais son art, mais qui a été adoptée afin galeries égocentrique vue serait en faillite en un an, si jamais ils ont commencé.

Donc, pour les artistes qui trouvent toujours cela difficile à apprécier, la vente de vos peintures est une entreprise. Il s'agit d'une entreprise risquée, et les appels pour flair considérable dans la détection ce qui se vendra, comment il devrait être présenté, et à laquelle des groupes d'acheteurs probables. Les artistes qui rechignent à la trente pour cent, plus que la charge galeries devrait se pencher sur les dépenses. Galerie de location, frais généraux, les salaires, les coûts d'impression des catalogues - ceux-ci sont inévitables, sans parler des quantités prodigieuses de champagne que vous pourrez consommer à l'aperçu, parfois sans regarder une seule œuvre. Et combien est vendu à l'exposition? Tout, dans quelques cas rares, mais en général seulement 50%, et souvent beaucoup moins. Personne ne serait dans l'entreprise beaux-arts à tous, sans avoir les nerfs solides, un amour profond de peintures, et un directeur de banque compréhension.
Galeries

Les propriétaires de galeries font leur sommes. Ils ont une notion de la façon dont un artiste peut vendre, et quels types de travaux fera de son mieux, mais le test à l'acide est toujours l'exposition, et ce qui peut être atteint dans les transactions privées par la suite. Ils vont prudemment. Les perspectives sont nettement plus lumineux avec un CV qui répertorie une éducation dans les collèges d'art reconnues suivies par des expositions importantes et des commissions, non seulement parce qu'il soutient leur propre jugement, mais parce que cette information est que les acheteurs potentiels va chercher dans le catalogue. Vous pouvez marcher dans une galerie majeure sans rendez-vous, serrant quelques diapositives maison de votre travail, et un dossier battue de dessins, mais il est peu probable que vous obtiendrez au-delà de la charmante fille à la réception. Vous ne devriez pas. Les galeries sont des institutions professionnelles, et s'attendent à une lettre courtoise de l'enquête avec un bref compte rendu de l'accomplissement.

Sauf bien connu déjà, votre première apparition dans une galerie peut ainsi être limitée à quelques peintures à une exposition mixte. Si elles ne vendent pas, on peut vous donner une seconde chance, mais probablement pas un tiers. Même alors, il va être long pull pour la galerie pour vous transformer en une vedette, et que des investissements lourds peuvent être protégés par une clause d'exclusivité. Vous avez à vendre à travers eux. Même lorsque l'acheteur vient à travers une autre source, la recommandation d'un ami d'un ami, la galerie sera attendons sa commission. Vous seriez avisé de tenir des comptes précis. Représentation par une galerie bien n'est pas facile à réaliser, mais peut être perdu du jour au lendemain par une stupidité peu qui rompt le lien de confiance.

Et de bonnes galeries en faire plus que de vendre vos tableaux. Ils vous aident à produire le genre de travail qui ne vendre et de développer vos talents plus loin. Votre succès est le succès, et que tout intérêt est livré avec une objectivité et de connaissances qui ne peuvent être acquises en étant dans le marché de l'art. Votre travail doit être présenté comme une marchandise souhaitable, et un dont la valeur ne seront reconnaissants dans le temps. D'où leur préférence pour les jeunes artistes, et leur sélection d'une gamme limitée de votre sortie. L'image est essentielle, et ils seront la rédaction du catalogue avec un oeil à la copie figurant dans les journaux et magazines d'art.

Si cela semble tout à fait honnête, vous êtes toujours regarder les choses du point de vue de l'artiste. Expositions ne sont pas le cachet de la profession d'approbation, un signe que vous êtes arrivé, mais seulement une partie d'un processus de vente reconnue. Et le travail d'autres, qui vous semble bon, mais la galerie ne sera pas toucher? Aller attentivement. La galerie peut permettre vous permettre de commercialiser le travail par le biais d'une autre source, peut-être l'Internet, ou d'une autre galerie, mais ils voudront premier refus, et être très malheureux avec tout ce qui nuit à l'image qu'ils ont si soigneusement construit. Discuter des questions par le biais. Vous pouvez être en mesure de développer une nouvelle ligne de travail tout à fait, avec la promesse d'un one man show plus tard, quand les idées ont porté leurs fruits et il est un organe de travail décentes à choisir.
Spectacles locaux

Représentation à Londres ou New York galerie est le rêve de nombreux artistes, mais rarement atteint, et peut-être jamais en une seule étape. La plupart des artistes commencent par exposer localement, avec des collègues dans le club de peinture local ou au spectacle annuel du collège art. Et ces expositions ne sont pas simplement une étape sur la longue route de la reconnaissance, quelque chose pour le CV éventuelle, mais servent deux objectifs essentiels. En premier lieu, ils obtenir vos pièces accroché avec d'autres travaux, ce qui est essentiel si vous êtes de les voir de manière objective et tirer des leçons de l'expérience. Et en second lieu, ils élargir vos contacts avec d'autres artistes. Le réseautage est essentiel, et c'est par faire partie d'une communauté qui les occasions se présentent. Un spectacle a besoin d'un peu plus de pièces à conviction? Vos collègues vous permettra de savoir. Le journal local veut un morceau sur les peintres locaux? Vos amis seront mis votre nom en avant. Une fois établi, vous pouvez vous retrouver trop occupé pour ces préoccupations, mais l'artiste début seraient bien avisés d'y participer, même si le secteur privé critique des normes. Vues changement, et de nombreux artistes de bonnes regarder en arrière sur les spectacles au début, quand ils étaient tellement convaincus de leurs talents supérieurs, de réaliser que c'était seulement en fait grâce à la bonté de collègues plus expérimentés qu'ils ont été inclus à tous.
Internet

L'Internet a considérablement étendu la capacité de l'artiste de mettre son travail devant le public, et de le faire à moindre coût. Les moteurs de recherche montrent l'immense diversité des travaux qui est maintenant offert, un travail plutôt amateur mais d'autres qui a du flair et de conviction. Le leader «briques et mortier» dans des galeries travail particulier, montrent une excellente manière très professionnelle. Certains avantages et inconvénients:
La vente à travers une galerie Internet

En vendant à travers une galerie Internet, vous font encore partie du système de galerie, mais un avec des exigences plus souples. Hébergement de sites Web l'espace n'est pas cher, et les commissions ont donc tendance à être plus faible. Tout dépend de ce que la galerie va faire. Certains se chargent de tout. Vous fournissez des diapositives de vos peintures, qui sont ensuite reformaté pour l'inclusion sur le site. Les contacts galerie vous quand une vente est faite, et vous expédier la peinture réelle pour eux. Tout le reste - l'assurance, la facturation de manutention de paiement et l'expédition au client - est fait pour vous. Lors des autres galeries mensonge extrêmes que le simple fait de vous fournir un espace web où votre travail apparaîtra avec d'autres peintures, et d'acquérir de crédibilité dans la mesure où la galerie est bien visité et bien présenté. Il n'y a pas de réponse facile, mais il faut se rappeler à:

1. Faites vos devoirs, à court d'inscription galeries qui représentent le travail de votre type et la qualité.

2. Vérifier et comparer les services, les modalités et les commissions. L'Internet est un endroit concurrentiel, et vous obtenez généralement ce que vous payez, alors méfiez-vous d'une galerie avec des termes grandement hors de proportion avec les autres.

3. Assurez-vous que le site est plus professionnel, et que son mécanisme de vente fonctionne de manière transparente.

4. Envoyer la galerie, et d'aller ailleurs si vous ne recevez pas une réponse rapide et franche à ces questions:

combien de temps ont-ils été dans les affaires?

combien de visiteurs uniques du site ne reçoivent chaque mois?

combien d'artistes et des peintures-ils disposent?

quel est le statut professionnel de leurs 'meilleurs' artistes?

combien de tableaux vendent-ils, en moyenne, chaque mois?

Vendre par l'entremise de votre propre site Web

Si vous prévoyez d'éviter la commission de la galerie par la vente directe au public, ce sont les étapes que vous passent par:

1. Construire le site, qui doit une allure professionnelle. Vous pouvez employer une compagnie de conception web, ou acheter le logiciel et créer le site vous-même. Bien qu'il n'y ait guère une excuse ces jours-ci, compte tenu de programmes bon marché et simple à utiliser, plus pré-conçus modèles, la grande majorité des sites du cru n'ont toujours pas inspirer beaucoup de confiance.

2. Achetez votre propre nom de domaine

3. Trouvez une société d'hébergement Web qui fournit un service fiable et pas cher avec la sécurité appropriée, et les statistiques web pour vous permettre de modifier la conception en réponse au comportement des clients.

4. Commercialiser le site de manière efficace, à savoir:

construire le site autour d'un thème spécifique

concevoir des pages individuelles pour être amical aux moteurs de recherche

fournir du contenu utile qui va garder les visiteurs revenant

texte artisanat autour de mots-clés populaires qui font face à peu de concurrence sur d'autres sites

soumettre aux moteurs de recherche et répertoires d'une manière approuvée

payer pour être listé dans Yahoo, Looksmart et les moteurs de recherche pay-per-click / répertoires

5. Ajoutez un peu de mécanisme de paiement de commerce électronique, si vous prenez les commandes directement sur Internet. Sinon, vous aurez besoin d'un système de porte-monnaie comme PayPal, éventuellement avec un service d'entiercement.

Un défi de taille? Il est. Vous pourriez faire mieux de commencer par une galerie en ligne, et les progrès que les résultats indiquent. Sinon, envisagez des enchères en ligne.
Utilisation Enchères en ligne

Une troisième approche consiste à travers les sites d'enchères en ligne, de la qui le meilleur, et le plus connu, est probablement eBay. Vous devez:

1. Inscrivez-vous à la société d'enchères en ligne, EX. eBay.

2. Inscrivez-vous à Paypal.

3. Inscrivez-vous à Auctionwatch.

4. Photographiez votre travail et de télécharger les images en taille optimale sous forme jpeg.

5. Entrez les détails de votre travail à eBay et Auctionwatch. Inclure le titre, mots-clés, l'offre de départ et le prix de réserve.

Ça y est! La référence ci-dessous ajoute quelques conseils.
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Les approches classiques de peinture à l'huile




















Une des meilleures techniques connues pour peinture à l'huile utilise un fond teinté que l'on respire dans le travail fini.
Les avantages sont les suivants:


1. Economie de l'effort: la peinture que dans des tons plus légers ou plus foncée que le ton milieu doivent être appliquées.

2. Diluant couches de peinture, et donc un produit moins cher et plus durable.

3. Un meilleur contrôle de tons, atteint par l'élimination progressive des stades et de corriger avec des émaux finales.

Les inconvénients sont les suivants:

1. Une planification minutieuse est nécessaire, comme des erreurs ou des arrière-pensées se montrer à travers.

2. Appels à grande facilité avec la brosse, car le travail est souvent construit dans les esquisses de pinceau successifs et partiellement transparent.

Peinture sur un fond teinté

Étapes:

1. Placez un dessin précis sur le sol tonique.

2. Shade ombres minces avec lavages Raw Umber, ce qui permet au sol de montrer à travers. Peindre de couleur pâle comme morts lavages essence de térébenthine minces de couleurs éventuels. Lavage, au sol et les ombres forment désormais un système à trois tons.

3. Sécher. Les vieux maîtres auraient utilisé des couleurs maigres, dans les huiles essentielles, et a permis de sécher la toile pendant des mois à ce stade de veiller à ce qu'aucune huile a été laissé à sécher plus tard.

4. Remodeler ci-dessus avec plus épais, des couleurs plus opaques, en permettant au sol de montrer à travers. Les vieux maîtres entendu que chaque pigment doit avoir son milieu ajusté pour tenir compte des propriétés individuelles.

5. Sécher.

6. Repeindre avec plus de définition, en permettant au sol de montrer à travers. Les jaunes doivent être réduites que la peinture sera jaune légèrement dans le temps.

7. Sécher.

8. Ajouter émaux, épaississement ou anéantir tant que de besoin.

Rubens (voir détail) peint avec du vernis, mouillé dans mouillé sur un terrain moins absorbant blanc, gris ou rose. Des lumières ont été mis en empâtements avec une brosse dure et ensuite très légèrement mélangé.
Peinture sur un fond sombre

Le second des techniques classiques pour peinture à l'huile, utilisés par Rembrandt, Velasquez et d'autres des effets de clair-obscur forts, emploie un fond sombre. Le fond sombre sert pour les ombres, d'autres domaines en cours de constitution sous forme de couches à des degrés divers d'opacité.

Étapes:

1. Foncer le terrain.

2. S'assurer que le sol est sec.

3. Trace un dessin ou un croquis précis dans les grandes lignes selon les besoins.

3. Sécher.

4. Underpaint en grisaille, la modélisation des tons avec frotties et l'utilisation de glacis sur le fond sombre.

5. Sécher.

6. Appliquer les couches supérieures de peinture, habituellement en plusieurs séances, en gardant les tons sur le côté de la lumière pour permettre glacis plus tard.

7. Ajouter les faits saillants en blanc.

8. Sécher.

9. Ajouter colorée (généralement plusieurs) glaçures.

Alla Prima

Alla prima ressemble à la ci-dessus, mais ne surtout loin avec des émaux finales. La peinture est plus épaisse appliquée, mais il faut des compétences que les ajustements finaux ne sont pas si facilement.

Étapes:

1. Ajouter un croquis pinceau soigneux ombragé à un fond pâle tons.

2. Ajoutez des ombres en deux niveaux de glacis. Le travail a maintenant trois tons.

3. Frottis dans rehauts de blanc, tandis que les émaux sont encore humides.

4. Sécher.

5. Ajoutez des couleurs, comme frotties ou la propagation glaçures colorées qui sont ensuite travaillé dans une certaine couleur blanche ou d'un organisme. Le terrain montre encore à travers.

6. Révision de la dernière couche de couleur plus de corps.

7. Ajouter finitions de couleur du corps mince.

Fa Presto

Fa presto ressemble alla prima, mais il n'ya pas de dessin préliminaire et la peinture est appliquée directement au sol. Au sens strict, ce n'est pas parce qu'un peinture directe. le sol est généralement permis de montrer à travers et b. tout est soigneusement planifié à l'avance.

Mesures

1. Au cours d'une peinture au sol légèrement tonique dans les lavages et les frotties larges zones de couleurs Cette application est généralement maigre et permet généralement une partie du terrain de montrer à travers.

2. Retravailler l'application avec un plus gros moyen et de couleur plus de corps

3. Ajoutez des détails de finition.

La peinture peut être laissé à sécher entre chaque étape ou achevés dans la même séance.
Références

Visitez le site Janson et de consulter des livres les ci-dessous.

1. Comment peindre votre propre Vermeer. Beau site informatif et Jonathan Janson sur les pratiques de Vermeer et de celles des maîtres anciens en général. Bibliographie très complète.

2. Matériels et méthodes de la peinture des grandes écoles et leurs maîtres: Deux tomes en un par Sir Charles Eastlake Lock. Dover Publications 2002. Réimpression de classique 1847 le texte.

3. Les artistes femmes Manuel de matériaux et les techniques par Ralph Mayer. 5e édition. Viking Press. 1991.

4. Formules pour Peintres par Robert Massey. Watson-Gupthill. 1980.

5. Les matériaux de l'artiste et de leur utilisation dans la peinture par Max Doerner. Livres de récolte. 1984

6. De l'Artiste méthodes et matériels. M. Bazzi. John Murray. 1960.
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Peinture à l'huile: Toiles d'artistes

Peinture à l'huile Prise en charge

Pour l'exaspération du débutant, qui ne veut que de descendre à la peinture proprement dite, manuels commencent souvent par une discussion de ce qu'on appelle le soutien - le bois, toile ou panneau de fibres à laquelle la peinture est appliquée. Puis vient une autre dissertation sur le terrain la peinture, la couche d'apprêt qui a besoin de séparer le support de la peinture recouvrant.


Au sol et de soutien doivent être assez ferme pour supporter la peinture, mais pas rigide au point de provoquer des fissures. La surface doit être suffisamment poreux pour permettre à la peinture à adhérer, mais pas si absorbante que toutes les huiles sont aspirés. Comment est cet équilibre atteint? En utilisant des approches traditionnelles de préparation des toiles d'art - ils sont faciles à appliquer et économiser de l'argent - ou en modifiant l'article commerciale.

En fait à la fois le soutien et la terre sont des questions importantes. La peinture est une substance réactive et sera progressivement manger et détruire dans son soutien si des mesures de protection soient prises. Et non seulement ne prend en charge varient dans leur résistance à l'action chimique de peinture à l'huile, ils créent des surfaces très différentes sur ce qui à peindre. Il ya un monde de différence entre l'application de peinture sur une toile de lin bien préparé, et à composer avec la surface glissante de la pré-amorcée toile d'artiste à partir d'un magasin d'art local. Le produit local peut être pas cher et facilement disponible, mais trop souvent elle ne permet pas la peinture à être manipulés correctement, surtout si cette peinture provient d'un tube. Pousser la pâte dentifrice qui coule autour d'un feuille de verre peut être une description appropriée de la sorte de cauchemar que le peintre est confronté début.

Pourquoi ne pas les fournisseurs toile d'artiste fournir de bons produits pour commencer? Ils le font. En général, les matériaux d'artistes des compagnies offrent un excellent service, consciencieusement en équilibrant les besoins généraux contre ce que les clients paieront pour. Tous les ans des améliorations aux lignes anciennes, le lancement de nouveaux produits et de notes libres pour obtenir le meilleur d'eux. Non, le problème réside dans les clients - dont beaucoup sont des amateurs plutôt que des artisans, et ainsi de placer la commodité d'abord.

Je le répète: quand la peinture, le soutien et la terre ont tous été préparés aux exigences de l'artiste, puis la peinture devient un délice, celui qui doit être éprouvé pour être cru. Effets qui sont par ailleurs difficile, voire impossible à atteindre deviennent les compétences nécessaires au quotidien du peintre compagnon.
Types de soutien

Prise en charge doivent être solide, durable et stable: ils sont généralement regroupées comme suit:
Medium Density

Panneaux de fibres (masonite ou un panneau dur) est mieux que le bois, ce qui est mieux que le contreplaqué.
Matériaux légers

Le lin est meilleur que le coton, qui est mieux que la toile de jute. Prise en charge entièrement faite de coton vont s'étirer et se fissurer, d'ailleurs ne pas tenir l'amorçage ainsi. Toiles préparées sont de qualité variable.
Matériaux fragiles

Papier de coton à la main vaut mieux que le papier à la main, ce qui est mieux que la carte, ce qui est mieux que le papier collé sur des panneaux cartouche.
Stretching un Canvas

Panneaux de fibres (soit le côté rugueux ou lisse) doit être dimensionné et apprêté. Matériaux fragiles doivent être montés à bord. Toiles de fournir les meilleures surfaces, mais doivent d'abord être tendue. Étapes:

1. Achetez les pièces civière dans la taille requise, et de les assembler, si nécessaire appuyant sur les coins en angle droit avec un marteau. Vérifiez les angles sont de forme carrée.

2. Couper la toile ou en lin à la bonne taille, suffisante pour un ou deux pouces de chevauchement sur les barres de civière derrière. Assurez-vous que le grain de la toile est parallèle aux barres de civière.

3. Tendre la toile sur le cadre - bien, mais pas suffisante pour tirer le chassis de vrai. (Pinces en toile aidera.)

4. Fixer la toile à des intervalles de quelques centimètres sur le dos des châssis, soit par des punaises ou (mieux) par des agrafes. Pour ce faire, méthodiquement sorte que même une tension est maintenue à travers la toile.

5. Plier et la sellerie / agrafage en bas de la toile qui se chevauchent dans les coins arrière de la barre de civière.

6. Appuyez sur les coins en place, serrer la toile un peu.

7. Vérifiez à nouveau que les coins sont carrés civière et que le grain de la toile est parallèle aux bords de civière. Vous ne pouvez pas régler ceux-ci (ou d'utiliser des cales) une fois que la toile est de taille.

Les tailles








Sauf amorçage acrylique doit être utilisé (ce qui n'est pas toute confiance des artistes, mais qui peut être appliqué directement sur la carte n'est pas traitée ou en toile), les besoins de surface premiers à être scellé et compte tenu de la porosité.
Rabbitskin colle est le plus populaire. Les directions sont données dans le paquet, mais lancer quelque chose comme ceci:

1. Utilisez une once de colle peau de lapin pour une pinte d'eau.

2. Chauffer l'eau et de colle à feu doux dans un récipient, mais ne pas faire bouillir.

3. Refroidir à la température ambiante lorsque la colle a complètement dissous: il aura la consistance de la gelée.

4. Réchauffer la taille jusqu'à ce que liquide.

5. Appliquer généreusement la taille afin qu'il pénètre dans les fibres en toile ou en bois.

6. Laisser sécher complètement: toile se rétracte un peu et être tendu dans sa civière.

Votre surface est maintenant prête pour l'amorçage.
Références

La plupart des matériaux d'art de toile offre revendeurs dans différentes tailles et qualités, mais les points de vente suivants se spécialisent:

1. Fredrix. Bonne gamme de toiles, des matériaux et des outils: au-delà de la brosse est leur guide de $ 3 à la sélection toile, la préparation et de soins.

2. Textiles pour vous. Acrylique-amorcée en toile de coton dans les 6 à 100 rouleaux de triage.

3. Gesso réel. Panneaux de qualité: lin et / ou gesso monté sur panneau de fibres, ou «bercé».

4. Utrecht Art Supplies. Très large choix de toiles, des brancards et des matériaux d'amorçage.

5. Primomart. Brosses, des accessoires et des toiles d'artiste pré-étiré et en rouleaux apprêtées et sans apprêt.

6. Toile d'artiste Allens. Fournisseurs en vrac, peut-être plus pour le paysage-peintre.
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Fournitures d'art en ligne: Pigments

Choisir les Pigments droite



Plutôt que de
s'attaquer à la vaste gamme de pigments disponibles aujourd'hui, notamment à travers des fournitures d'art en ligne, les peintres seront généralement mieux progresser en apprenant à connaître un petit nombre de pigments qui répondent la plupart des exigences. Idéalement, la sélection doit être fondée sur:

1. Propriétés du pigment concerné: la teinte, les propriétés de mélange, le temps de séchage, la force de la peinture, la permanence, la transparence / pouvoir couvrant

2. Les effets indésirables de certains pigments de mélange: certains mélanges décolorer

3. coût

Certains Conseils généraux
Blancs

Le blanc de titane sèche rapidement, et est le plus opaque. Flake le blanc est la plus rapide séchage, mais se décolore s'il n'est pas protégé par de l'huile. Le blanc de zinc donne à la couleur la plus pure, mais se mélange n'est que la moitié opaque, sèche lentement et de se fissurer si elle est appliquée en couche trop épaisse.
Coloration Morte

Pour bloquer les grandes surfaces d'une toile avant de peindre plus de détails, les éléments suivants sont de couleur rapide, généralement pas cher (à l'exception des cadmiums), et ont un bon pouvoir couvrant: noir d'ivoire, blanc de plomb, rouge indien, jaune ocre, jaune de Naples la lumière , la lumière rouge de cadmium et de jaune, vert émeraude et bleu de Sèvres.
Les glaçures

Pigments dans les glaçures doivent être de couleur rapide et transparente. Vermillon hollandais, Rembrandt rose, le bleu outremer profond, Rembrandt bleu, or ocre, terre de Sienne, jaune citron, terre verte, terre d'ombre brûlée, Raw Umber et Rembrandt le vert sont les favoris traditionnels. Un grand nombre ont été remplacés par des pigments mentionnés ci-dessous. Vermillon hollandais, de citron jaune et le blanc de zinc ne sont qu'à moitié transparent.
Force Peinture Regroupés par Temps de séchage

Bazzi (voir ci-dessous) à condition que cela groupement:
Rapide

Terres d'ombre: résistant et flexible.

Aureolin: dur et irrégulier.

Terre de Sienne brûlée: dur et assez forte.

Flake dur blanc et flexible
Moyenne

Assez souple Cerulean

Raw sienna: résistant et assez forte.

Bleu de cobalt: dur et assez fragile.

Violet de cobalt: plutôt cassant.

Oxyde de fer rouge: forte

Oxyde de chrome: souple et assez dur.

Viridian: souple et assez dur.

Jaune de Naples: forte.

Quinacridones (rose permanente et magenta, rose doré) dur et assez souple
Ralentir

La terre verte: doux et souple.

Cerulean: doux et non-élastique.

Ocre jaune: assez forte.

Alizarine: doux.

Le noir d'ivoire doux et fragile

Cadmiums durs & assez souple

Titanium cassante blanche
Très lent

Le noir d'ivoire: douce

L'oxyde de zinc: dur et cassant.

Le noir de fumée: molle.
Permanence

Les essais effectués par Wilcox (voir ci-dessous) a suggéré que l'aquarelle de nombreux (et par extension de l'huile) peut être insatisfaisante - fugitive, mal mélangé, avec la diffusion des pauvres et la transparence.

Exceptions: les pigments qui valent la peine sélection de fournitures d'art en ligne - sont les suivants. (T est Talens, R est Rowney et WN est de Windsor et Newton. Sauf indication contraire, tous sont de qualité premiers artistes femmes. L'ordre n'a pas d'importance, si Wilcox préfère WN à la plus grasse T.) Regroupés par la transparence, les pigments sont recommandées :
: Couleurs transparentes

Aureolin (R et WN)

Permanent rose (WN et R)


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Peinture directe















Peinture directe


Peinture à l'huile Direct est un style populaire depuis la fin du 19ème siècle dans lequel la peinture est appliquée opaque pour couvrir complètement le sol. Peinture couramment produit par étapes, permettant de séchage entre les étapes, mais peut être complété lors de la session celle donnée l'habileté droit et les circonstances. Le blanc est utilisé tout au long, plus minces lavis dans les étages inférieurs, mais vitrage est absent.eteness: un exposé cohérent et intégré, avec tous les aspects travaillé en étroite collaboration po


Fabricants de peinture commerciales ont tendance à mettre trop d'huile dans les tubes, et de donner ensuite leur solidité de peinture en ajoutant les graisses. Vous pouvez utiliser l'article commerciale directement du tube si vous le souhaitez, mais vous obtiendrez généralement de meilleurs résultats en supprimant ces huiles et ensuite remixer les pigments avec les médias de votre choix. Retirer les huiles en épongeant avec du carton ou du papier buvard, ou en plaçant l'huile tube sur une plaque de verre, puis garder la plaque sous l'eau pendant 24 heures.

Étapes:

1. Croquis au fusain. Brossez l'excédent de suite et le croquis trace dans la peinture térébenthine éclairci.

2. Bloquer dans de vastes domaines de la couleur avec essence de térébenthine-aminci, mais lavages opaques de couleur Rework ces mouillé dans la couleur avec du blanc humide ou plus si nécessaire. Sécher si nécessaire.

3. Peindre avec plus de subtilité et en détail dans un plus gros moyen. Travail de l'étape précédente peut être ou ne pas montrer à travers.

4. Ajoutez des détails au pinceau fin et doux.
Peinture directe de Portraits

Salomon {1} a recommandé cette approche pour les portraits:

1. Dessiner avec précision dans du charbon de bois, puis un crayon à la terre d'ombre brut et essence de térébenthine.

2. Utilisez des huiles à jeter en arrière-plan dans le ton et la couleur, le grattage de suite après. Lay en masse principale des cheveux en même temps ou à la fin de cette.

3. Lay dans les masses principales de faits saillants et les ombres de chair.

4. Modèle de cheveux tout simplement.

5. Réglez trois tons chair comme l'exige.

6. La modélisation complète chair habilement et économiquement, la peinture humide en humide.
Peinture directe des paysages

Richmond {2} recommandé cette approche pour les paysages:

1. Bloquez les masses principales de charbon de bois.

2. Appliquer la peinture à peine dans les larges masses approximativement corrects en couleur, mais pas nécessairement dans le ton. Moyen peut être térébenthine ou de l'huile fine.

3. Compléter le croquis plus en détail et la subtilité, en accordant une attention à la tonalité.

4. Repeindre en studio à partir d'esquisses et de dessins.
Références

Les références des textes sont les suivants, certains maintenant plutôt daté mais intéressant de regarder dehors pour:

1. La pratique de la peinture à l'huile et le dessin. S.J. Solomon. Seeley. 1910.

2. La technique de peinture à l'huile. L. Richmond. Pitman. 1952.

3. Les matériaux et les techniques de la peinture. J. Stephenson. Thames & Hudson. 1989.

4. De l'Artiste méthodes et matériels. M. Bazzi. John Murray. 1960.
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Une brève histoire de peinture à l'huile














Histoire de l'Art: Thèmes

Les peintures sont des produits d'un certain temps et certain endroit, et histoire de l'art tente naturellement de placer ces oeuvres dans leur cadre plus large. Quiconque étudie l'art occidental, par exemple, apprendre à reconnaître les styles de la Renaissance, baroque, périodes classique, romantique et moderne, et de comprendre l'interaction complexe des questions pensée, le favoritisme, la société économique et que les peintures représentent. Il est à une telle compréhension que les critiques d'art se référer quand ils insistent pour que l'art d'aujourd'hui doit aborder les problèmes contemporains.


Pour les peintres, il ya certaines difficultés, cependant:

1. L'histoire est écrite de manière rétrospective, et il n'était pas toujours très claire pour les contemporains qui ou qui étaient les grands noms et des thèmes.

2. L'image est trop bien rangé, et ne permet pas pour le travail très différent au sein de la même période: Rubens, Rembrandt et Vermeer, par exemple.

3. Histoire de l'art est également soumise à l'évolution des modes: comparer les livres écrits dans les années 1940 à celles d'aujourd'hui.

4. Par des artistes classement selon leur importance, les historiens semblent parfois laisser entendre que seuls les grands noms offrir quelque chose d'intéressant aujourd'hui, ce qui est loin d'être le cas. Les grands artistes excellaient à certains égards, mais aussi en fondant et bâcle dans leur travail comme tout le monde. Les élèves ont besoin pour obtenir, sous les étiquettes de génie'' ', et de comprendre les discrets, les questions pratiques en cause.

5. Histoire de l'art traite de concepts qui sont nébuleux et d'une importance secondaire par rapport à l'application de la peinture. Quels sont les artistes concernés vitale - la création d'une réalité picturale qui a fourni de l'emploi, la direction et la signification à leur vie - exige une autre approche.

5. L'écriture est un exercice verbal, et les peintres penser en termes plus visuels. C'est pourquoi les artistes contemporains ne sont généralement pas lire les textes de présentation galerie ou articles de journaux: ils sont de peu d'utilité pour eux.

L'art occidental: Un développement Quatre-Fold

Bien que n'étant pas sans ses problèmes propres, et un peu trop simple, Brian Thomas {5} approche a tenté de traiter avec de la peinture comme la peinture. Il a regroupé l'histoire de la peinture européenne en quatre étapes qui se chevauchent:

Conception de la ligne

Tissé sur les relations de forme et de contour. Dominant entre le déclin de l'Empire romain et de la Renaissance. Peut-être irréaliste (Livre d'Heures) ou réaliste (gothique flamand). Lisible élément distinct de l'illusionniste. Stéréotype et non-personnelles symboles généralement employés. Décrit soulignée par les changements de couleur. Domaines remplie par le modèle. Populaire pour la narration, lorsque les caractéristiques pertinentes de la narration sont omis. La géométrie cachée important. Flowing coups de pinceau seulement dans illuminé MSS (contrairement à l'art extrême-oriental.) Développement de la fin romaine pour byzantin et du gothique n'est pas basée sur l'observation directe. Les symboles sont déformés pour effet religieux. Artistes importants figurant à la fin de la période comprennent:

Jan van Eyck. Peint directe de la nature, l'illusion de capture de l'espace et modèle de la lumière et les relations de tonalité. A travaillé par

la lumière de modélisation et de l'ombre en pigment opaque (probablement oeuf-huile)

couvrant d'un vernis plus ou moins transparente, et
travailler plus côté de la lumière et les ombres des formes demi dans les films minces de peinture opaque.

Holbein. A travaillé par:

Interprétation forme par des lignes de contour d'une grande simplicité et la subtilité. Lignes construites des lignes courtes infiniment sensibles aux changements dans la direction des plans de surface.

Alliant une mise à plat et le rendu réaliste de la qualité de surface de vêtements et de chair.

Création d'un formulaire

Impliqué dans la troisième dimension, souvent en cours d'exécution en contrepoint à une conception de la ligne ainsi. À la fois décoratif et descriptive. Des motifs complexes et subtiles constituées par imbrication des formes dans l'espace, ce qui accélère, ralentit et l'arrêt de la récession comme vous le souhaitez. Artiste étudié la nature à élucider la construction des formes dans l'espace, et de les relier rythmiquement. La construction utilise ton ou en ligne, ce dernier indiquant linéaments axiales et en coupe. Perspective aide. Les artistes pensent à la ronde. Artistes importants:

Cimabue et Duccio rénové le mode byzantine.

Giotto et Cavallini introduit la conception de formulaire. Giotto observé la nature de près et utilisée sous forme large-conception pour créer monumentales et émouvant tableaux vivants.

Masaccio distribué avec un contour raide de Giotto et utilisé une gradation tonale de placer ses personnages dans un contexte réaliste. Tonalités en raison de la couleur locale sont réprimées.

Piero della Francesca. En outre la maîtrise de la perspective - utilisé décorative, de prêter bien-fondé d'un motif de surface. Récession en sourdine et contrôlée. Les chiffres statiques.

Signorelli. Comme Masaccio, mais il a introduit une forte, la modélisation souvent overemphatic dans les deux lumières et les ombres, en exagérant la modélisation dans l'ombre en soulignant la lumière réfléchie.

Filippo Lippi et Botticelli a souligné lignes sinueuses dans minces, formes mobiles.

Pollaiuolo popularisé le nu, l'introduction de la force nerveuse dans la sculpture de Donatello.

Fra Angelico a réalistes ciel bleu dans l'usage général.

Giorgione a introduit l'atmosphère, un sentiment de la météo. Le but était de donner satisfaction durable de la contemplation prolongée, plutôt que l'émotion intense, mais passagère.

Leonardo. Variété des intérêts laisse peu de temps pour la peinture. D'importants travaux pour un. compréhension pénétrer de la construction des objets naturels, b. sensibilité à flot rythmique de formes dans la nature et c. subordination de la couleur à des gradations délicates de la lumière.

Michel-Ange. Représenté vigoureuse, l'action contrastée dans muscles de enflement et de se balancer draperies. Modélisation subtile, mais souvent figure principale silhouette dans de forts contrastes de tons.

Raphaël. Plus heureux que Michel-Ange dans l'architectonique de groupes de chiffres. Suprêmement artiste intelligent, apprendre des autres.

Corrège préfigure le style baroque. Formes lisses et arrondies, les rythmes suaves et vallonné, caressé avec un éclairage doux tout créer une ambiance - aidé par la qualité de la peinture, la tonalité, la couleur, la stylisation et le choix du motif.

Tiepolo était décorative, la création de complexes s'enchaînant de la ligne de "appartements de théâtre» et des chiffres raccourcies.

Poussin. Utilisé illustration comme un prétexte pour l'architecture picturale, parfaite en proportion et la rythmique. Le style sec, les sujets éloignés, mais il a évité la lourdeur par un. exagérer la luminosité et la lumière réfléchie dans l'ombre et b. jouer hors de forts contrastes de ton contre les subtiles.

Conception Tone

Destiné à un. créer un modèle satisfaisant à des degrés de lumière et d'ombre et de b. représentant la vérité perceptive de plus près par une certaine convention picturale qui représente la netteté variable de l'œil de la mise au point. A duré au début du 16ème début du 19ème siècle. Les artistes ont été plus préoccupés par le ton que la couleur. Lorsque cela est pertinent, comme dans la peinture vénitienne, la couleur est généralement utilisé de manière décorative. Volonté de sacrifier des détails dans les zones hors-sujet »signifiait que coup de pinceau vigoureux et pourrait libre, ajouter de la vie et de l'éclat à la peinture. Artistes importants:

Leonardo mélange décrit dans sa Mona Lisa.

Gentile Bellini et Giovani, en utilisant l'huile sur toile pour éviter l'effet corrosif de l'air marin, avait un bon sens de la qualité de la peinture qui a conduit à une appréciation des valeurs tonales.

Giorgione absorbée l'humeur poétique et l'amour des paysages de les Bellini, mais compose ses tableaux comme un tout, avec seulement détails comme cela a été nécessaire.

Titien atteint une maîtrise complète de tous les expédients de la conception ton - lentement, intuitivement, après beaucoup d'expérimentation et de tâtonnement. Il a créé un nouveau type de beauté féminine, utilisé plus riche, plus juteuse de couleur, classés selon son coup de pinceau à l'importance de ce qui était représenté, et utilisé une variété de moyens de composition, souvent de réduire la représentation à la simplicité extrême qui allait inspirer Velasquez et de Hals.

Tintoret a utilisé un éventail plus large de ton et un éclairage plus forcé.

Véronèse introduit un plus grand réalisme et somptueux, la couleur décorative

Caravage a créé un. réalisme brutal et la caractérisation vivante, b. contrastes marqués et c. humeur du drame et le mystère.

Rubens. Éclectique. Maître suprême du mouvement rythmique. Combiné avec réalisme la noblesse et de la décoration. Une grande vitalité et la créativité. Opulent couleur

El Greco. Rythmes fluides et hallucinatoire. Utilisé glaçures colorées plus monochrome.

Velázquez. Artiste consommé. Simplifié de couleur pour produire les modèles efficaces tonales. Peintre toujours efficace: interprète plutôt que crée.

Hals. Produit portraits animés par coup de pinceau vif, haute tonalité et les modes de tonalité nettes.

Vermeer. Grande sensibilité à la lumière, avec une souche de la poésie.

Rembrandt. Pris potentialités dramatiques et poétiques du Caravage à la limite. Grand sens de la forme. Artisan consommé. Compassion pour l'humanité souffrante.

Goya. Créateur. Concepteur de ton grand, mais souvent imprudente et précipitée, en utilisant le couteau et pinceau sec.

Van Dyck. Plus fébrile et hautain que Rubens: plus de raffinement et de poésie, mais utilisé une huile de noix plat qui réduit l'ampleur, la richesse et l'atmosphère de son mentor.

Watteau. Peint monde joyaux de l'imagination avec irisées, qualités atmosphériques que Van Dyck négligées. Dessins Graceful inégalées pour plus de clarté analytique.

Boucher. Scènes artificielles, de couleur légèrement acide, mais suavement classique et montrant un tact parfait artistiques.

Hogarth. Moraliste dont l'art est solidement fondée sur la conception ton baroque, avec un traitement particulièrement croustillante de la peinture.

Gainsborough. Peintre naturel. Travail est de jouer entre les films de peinture nébuleux dessinés avec la pointe du pinceau de martre et de passages osées de pinceau chargé. Peinture Thin exceptionnelle maîtrise du pinceau qui évite un mauvais aspect.

Reynolds. Excellé dans l'utilisation de ton décoratif. Couleur riche Ses discours parmi les meilleurs de la critique d'art. Manipulation de peinture fraîche était une source d'inspiration à l'agent et de l'école française, mais son expérimentation dans des matériaux est généralement malheureux.



Color Design

L'étape finale dans le cycle de réalisme pictural. Couleur avait toujours joué un rôle important dans la peinture, mais pas avant dix-neuvième siècle étaient des peintres prêts à faire des sacrifices drastiques sur ton et la délimitation précise. Harmony a été l'objet - réalisé par un certain rapport de saturation chaude et froide (rouge ou bleu biais) ou de la couleur (par exemple, un orange brillant, brun foncé, gris et rose chair tiède sont tout orange à l'état pur, réduit l'intensité sonore, désaturé et réduite en intensité et désaturé, respectivement - c.-à-orange avec rien, noir, gris ou blanc ajouté) Formulaire tendance à être perdu et intérieurs sombres ont été bannis pour les paysages lumineux.. Meilleure école de paysage était l'anglais de la première moitié du XIXe siècle - a contribué par des expériences de Rubens, des rendus atmosphériques de Poussin et de Claude et de motifs rustiques de peintres hollandais. Artistes importants:

Turner. Une connaissance inégalée du paysage dans des conditions météorologiques différentes. Maîtrise de la peinture et de l'imagination poétique.

Le gendarme. Un grand réalisme dans le dessin, la couleur et le ton, mais soutenue par des techniques de maîtres anciens.

Préraphaélites. Hectic réalisme. Sharp, dessin anguleux avec une grande précision de détail. Peint de couleurs sur fond blanc mince flocons mouillés.

Corot. Peint les zones largement grandes avec des tons très proches les uns des autres, puis partit cette subtilité avec des accents brillants de clair ou foncé croquant ajouté.

Courbet. Broad, la manipulation impressionniste avec un couteau brosse ou à la palette - conçu pour afficher la physicalité de la scène.

Manet. Adopté approche Hals, l'élaboration d'un résumé audacieux picturale dans le ton et la couleur de ce qu'il a observé. Coups de pinceau et racé pour compenser la perte de plus des techniques traditionnelles.

Impressionnistes. Beautés impitoyablement éliminés de façon linéaire ou tonal d'interpréter avec précision les couleurs de la lumière.

Seurat. Utilisée couleur brisée, placer des taches de couleur additif à fondre à une distance (jaune fait par des points de rouge et verte. Peintres traditionnellement utilisé couleur soustractive, la peinture filtrant autres longueurs d'onde)

Degas. Mordantly dessin incisif. Influencé par estampe japonaise et de la photographie.

Gauguin. Utilisez conception de la ligne de joindre des couleurs qui ressemblent à des régimes de plumage bariolé de perroquet.

Van Gogh. Couleur féroce et agité coups de pinceau pour transmettre sa perception des forces de la nature.

Cézanne. Peint directe de la nature à l'état presque mystique. J'ai essayé de concilier la couleur et en vrac par la modélisation à l'aide de dégradés de couleurs entièrement, plutôt que par le ton. Recherché harmonie dans une articulation logique des plans.

Twentieth-Century Developments

Au début du XXe siècle, cette évolution quadruple avait suivi son cours, laissant les artistes sans évidente avenue pour le développement (ni un véritable rôle dans la société). L'École de Paris a donc choisi l'expérimentation, la production de travaux avec les caractéristiques suivantes:

L'accent mis sur la décoration à la charge des éléments de représentation et de narration.

Le retour à la conception en ligne.

L'utilisation de belle couleur et d'audace

Influences absorbé par Negro, l'enfant et de l'art fou.

Manipulation simplifiée de la peinture au point de crudité pour atteindre la force et l'intensité plutôt que la précision ou l'élégance.

Malheureusement, cet art pourrait souvent être négligée dans l'exécution, et très maniérée, ses styles ne se développe pas à exprimer ou représenter un certain aspect du monde visible tant que imposé arbitrairement - c.-à-conçu pour montrer que le travail était agressive "moderne".
Art contemporain

Bien que difficile à définir ou caractériser, le postmoderne terme est habituellement utilisé pour envoyer des styles qui employaient 1950 techniques modernistes dans une humeur taquine de l'engagement avec la société. Le travail est généralement éclectique, commerciale et grandes entreprises, souvent grandiose. Société, en particulier la société bourgeoise, peut être critiqué, mais pas de programmes pour un changement radical sont recommandées: perspectives et des philosophies devraient coexister dans un monde pluraliste. Aspects du monde contemporain se retrouvent - le relativisme, le manque d'autorité ou de consensus, l'embarras de richesses intellectuelles, le consumérisme.

Mais si l'art tend à être populiste, il est aussi très conscient de ses pedigrees. Il peut mélanger les styles internationaux, ou peut être plus puriste, mais il fait peu de concessions à son public. La musique sérielle et la peinture abstraite, par exemple demander à être acceptés pour ce qu'ils sont, et aux artistes qui ont besoin de mesure du réseau de galeries-critique-musée de vendre leur travail, ils ont aussi besoin d'avoir leurs créations entourée et soutenue par un échafaudage théorique. Il n'est donc pas par la technique, des compétences, de formation ou rien à voir avec l'exécution ou l'exécution que l'importance doit être atteint, mais par la conception - l'originalité soit d'inspiration, ce qui est la seule chose unique à l'individu. Artiste formellement formés souvent utiliser leurs compétences pour supprimer les preuves de cette formation par la peinture d'une manière superficielle et maladroit.

Inévitablement, la grande masse de la critique d'art tend à devenir de promotion, d'auto-référencement et prétentieux. Les actes mêmes de critiques dans l'identification des oeuvres comme "abstrait-expressionniste», «minimaliste», etc est destiné à conjurer des questions mal informées quant à leur valeur: l'étiquetage protège de la critique. Artistes réalisent qu'ils ont besoin de se placer dans un arbre stylistique reconnu par l'establishment artistique, et de poursuivre ensuite dans un manière personnellement distinctif des préoccupations les plus en vogue. Les préoccupations ne sont pas essentiellement différents de ce qui a toujours des artistes intéressés - la profondeur de couleur, l'équilibre, la cinétique, modèle, geste, la texture, etc -, mais sont poursuivis de manière plus intransigeants et single-minded.
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